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Las fotos mas extrañas

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Las bellas artes son capaces de dar una amplia gama de emociones. Algunas pinturas están envueltas en acertijos místicos, mientras que en otras lo principal es su precio prohibitivamente alto.

Hay muchas imágenes extrañas en la historia de la pintura mundial. Y aunque el concepto mismo de extrañeza es subjetivo, uno puede destacar aquellos trabajos conocidos que claramente se destacan de la fila general.

Edvard Munch "El grito". El trabajo que mide 91x73.5 cm fue creado en 1893. Munch lo pintó con óleos, pasteles y témpera; hoy la pintura se conserva en la Galería Nacional de Oslo. La creación del artista se ha convertido en un hito para el impresionismo; en general, es una de las pinturas más famosas del mundo en la actualidad. El propio Munch contó la historia de su creación: "Estaba caminando por el sendero con dos amigos. En este momento el sol se estaba poniendo. De repente, el cielo se puso rojo sangre, me detuve, agotado, y me apoyé en la cerca. Miré la sangre y las llamas sobre el azulado. - un fiordo negro y una ciudad. Mis amigos continuaron, y yo todavía me puse de pie, temblando de emoción, sintiendo el llanto interminable perforando la naturaleza " Hay dos versiones de la interpretación del significado dibujado. Se puede considerar que el personaje representado está asustado con horror y grita en silencio, presionándose las manos contra los oídos. Otra versión dice que el hombre cerró los oídos por el grito que gritaba a su alrededor. En total, Munch creó hasta 4 versiones de "Scream". Algunos expertos creen que esta pintura es una manifestación clásica de la psicosis maníaco-depresiva que sufrió el artista. Cuando Munch fue tratado en la clínica, nunca volvió a este lienzo.

Paul Gauguin "¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos?" En el Museo de Bellas Artes de Boston, puedes encontrar esta obra impresionista que mide 139,1 x 374,6 cm. Fue pintada al óleo sobre lienzo en 1897-1898. Este profundo trabajo fue escrito por Gauguin en Tahití, donde se retiró del ajetreo de la vida parisina. La pintura se hizo tan importante para el artista que después de su finalización incluso quiso suicidarse. Gauguin creía que ella era la mejor en la cabeza que él había creado antes. El artista creía que no sería capaz de crear algo mejor o similar, simplemente no tenía nada más por lo que luchar. Gauguin vivió otros 5 años, demostrando la verdad de sus juicios. Él mismo dijo que su imagen principal debería verse de derecha a izquierda. Hay tres grupos principales de figuras en él, que personifican las preguntas con las que se titula el lienzo. Tres mujeres con un niño muestran el comienzo de la vida, en el medio las personas simbolizan la madurez, la vejez está representada por una anciana que espera su muerte. Parece que ella ha aceptado esto y está pensando en algo propio. A sus pies hay un pájaro blanco que simboliza la falta de sentido de las palabras.

Pablo Picasso "Guernica". La creación de Picasso se conserva en el Museo Reina Sofía de Madrid. Una gran pintura, 349 por 776 cm, pintada al óleo sobre lienzo. Esta pintura mural fue creada en 1937. La imagen cuenta la incursión de pilotos fascistas voluntarios en la ciudad de Guernica. Como resultado de esos eventos, la ciudad con una población de 6 mil personas fue completamente arrasada. El artista creó esta imagen en solo un mes. En los primeros días, Picasso trabajó durante 10-12 horas, en sus primeros bocetos la idea principal ya era visible. Como resultado, la imagen se convirtió en una de las mejores ilustraciones de todos los horrores del fascismo, la crueldad y el dolor humano. En "Guernica" puedes ver una escena de atrocidad, violencia, muerte, sufrimiento e impotencia. Aunque las razones de esto no se mencionan explícitamente, están claras en la historia. Se dice que en 1940, Pablo Picasso incluso fue convocado a la Gestapo en París. Inmediatamente se le preguntó: "¿Lo hiciste?" A lo que el artista respondió: "No, lo hiciste".

Jan van Eyck "Retrato de la pareja Arnolfini". Esta pintura fue pintada en 1434 en óleo sobre madera. Las dimensiones de la obra maestra son 81.8x59.7 cm, y se conserva en la Galería Nacional de Londres. Presumiblemente, la pintura representa a Giovanni di Nicolao Arnolfini junto con su esposa. La obra es una de las más difíciles en la escuela de pintura occidental durante el Renacimiento del Norte. Esta famosa pintura contiene una gran cantidad de símbolos, alegorías y varias pistas. Que solo existe la firma del artista "Jan van Eyck estuvo aquí". Como resultado, la pintura no es solo una obra de arte, sino un documento histórico real. Después de todo, representa un evento real que Van Eyck capturó. Esta imagen se ha vuelto muy popular recientemente en Rusia, porque a simple vista, la similitud de Arnolfini con Vladimir Putin es notable.

Mikhail Vrubel "Demonio sentado". Esta obra maestra de Mikhail Vrubel, pintada por él en óleo en 1890, se conserva en la Galería Tretyakov. Las dimensiones del lienzo son 114x211 cm. El demonio representado aquí es sorprendente. Aparece como un joven triste con el pelo largo. Por lo general, las personas no representan espíritus malignos de esa manera. El propio Vrubel, sobre su pintura más famosa, dijo que, en su opinión, el demonio no es tanto un espíritu maligno como un sufrimiento. Al mismo tiempo, uno no puede negarle autoridad y dignidad. El demonio de Vrubel es una imagen, en primer lugar, del espíritu humano, que reina dentro de nosotros en constante lucha con nosotros mismos y dudas. Esta criatura, rodeada de flores, trágicamente cruzó las manos, sus enormes ojos miraron tristemente a la distancia. Toda la composición expresa la restricción de la figura del demonio. Parece estar presionado en esta imagen entre la parte superior e inferior del marco de la imagen.

Vasily Vereshchagin "La apoteosis de la guerra". La imagen fue pintada en 1871, pero en ella el autor parecía prever los horrores de las futuras guerras mundiales. El lienzo de 127x197 cm se conserva en la Galería Tretyakov. Vereshchagin es considerado uno de los mejores pintores de batalla en la pintura rusa. Sin embargo, no escribió guerras y batallas porque las amaba. El artista trató de transmitir a la gente su actitud negativa hacia la guerra por medio de bellas artes. Una vez, Vereshchagin incluso prometió no pintar más cuadros de batalla. Después de todo, el pintor tomó el dolor de cada soldado herido y asesinado demasiado cerca de su corazón. El resultado de una actitud tan sincera hacia este tema fue "La apoteosis de la guerra". Una imagen terrible e hipnotizante muestra una montaña de cráneos humanos en un campo con cuervos alrededor. Vereshchagin creó un lienzo emocional, detrás de cada cráneo en una enorme pila se traza la historia y el destino de las personas y personas cercanas a ellos. El propio artista llamó sarcásticamente a esta pintura una naturaleza muerta, porque representa la naturaleza muerta. Todos los detalles de "La apoteosis de la guerra" gritan sobre la muerte y el vacío, se puede ver incluso en el fondo amarillo de la tierra. Y el azul del cielo solo enfatiza la muerte. La idea de los horrores de la guerra se enfatiza con agujeros de bala y marcas de sable en los cráneos.

Grant Wood "American Gothic". Esta pequeña pintura mide 74 por 62 cm. Fue creada en 1930 y ahora se conserva en el Instituto de Arte de Chicago. La pintura es uno de los ejemplos más famosos del arte estadounidense del siglo pasado. Ya en nuestro tiempo, el nombre "American Gothic" a menudo se menciona en los medios de comunicación. La pintura representa a un padre bastante sombrío y a su hija. Numerosos detalles hablan sobre la severidad, el puritanismo y la osificación de estas personas. Tienen caras descontentas, una horca agresiva en el centro de la imagen, y la ropa de la pareja está pasada de moda, incluso para los estándares de la época. Incluso la costura en la ropa del granjero sigue la forma de una horca, duplicando la amenaza para aquellos que invaden su estilo de vida. Los detalles de la imagen se pueden estudiar sin cesar, sintiendo físicamente molestias. Es interesante que en un momento, en una competencia en el Instituto de Artes de Chicago, los jueces aceptaron la imagen como humorística. Pero la gente de Iowa ofendió al artista por ponerlos en una perspectiva tan antiestética. La modelo para la mujer era la hermana de Wood, pero el prototipo del hombre enojado era el dentista del pintor.

Rene Magritte "Amantes". La pintura fue pintada en 1928 en óleo sobre lienzo. Sin embargo, hay dos opciones. En uno de ellos, un hombre y una mujer se besan, solo sus cabezas están envueltas en una tela blanca. En otra versión de la imagen, los amantes miran al espectador. Dibujado y sorprendente, y fascinante. Las figuras sin rostros simbolizan la ceguera del amor. Se sabe que los amantes no ven a nadie, pero nosotros no podemos ver sus verdaderos sentimientos. Incluso el uno para el otro, estas personas, cegadas por los sentimientos, son en realidad un misterio. Y aunque el mensaje principal de la imagen parece claro, los "Amantes" todavía te hacen mirarlos y pensar en el amor. En general, casi todas las pinturas de Magritte son rompecabezas, que son completamente imposibles de resolver. Después de todo, estos lienzos plantean las principales preguntas sobre el significado de nuestra vida. En ellos, el artista habla sobre la naturaleza ilusoria de lo que vemos, sobre el hecho de que hay muchas cosas misteriosas a nuestro alrededor que tratamos de no notar.

Marc Chagall "Caminata". La pintura fue pintada al óleo sobre lienzo en 1917, ahora se conserva en la Galería Estatal Tretyakov. En sus obras, Marc Chagall suele ser serio, pero aquí se permitió mostrar sentimientos. La pintura expresa la felicidad personal del artista, está llena de amor y alegorías. Su "Paseo" es un autorretrato, donde Chagall retrató a su esposa Bella junto a él. Su elegido se eleva en el cielo, ella está a punto de arrastrar al artista allí, que ya casi se ha levantado del suelo, tocándola solo con las puntas de sus zapatos. En la otra mano del hombre hay una teta. Podemos decir que así es como Chagall retrató su felicidad. Él tiene una grúa en el cielo en forma de una mujer amada, y una teta en sus manos, con lo que se refería a su trabajo.

Hieronymus Bosch "El jardín de las delicias". Este lienzo de 389x220 cm se conserva en el Museo de Derecho español. Bosch pintó una pintura al óleo sobre madera en los años 1500-1510. Este es el tríptico Bosch más famoso, aunque la imagen tiene tres partes, lleva el nombre del central, dedicado a la voluptuosidad. Hay debates constantes en torno al significado de una imagen extraña, no existe tal interpretación de la misma que se reconozca como la única correcta. El interés en el tríptico surge de los muchos pequeños detalles que expresan la idea principal. Hay figuras translúcidas, estructuras inusuales, monstruos, pesadillas y visiones encarnadas y variaciones infernales de la realidad. El artista pudo ver todo esto con una mirada nítida y buscada, habiendo logrado combinar elementos diferentes en un solo lienzo. Algunos investigadores han tratado de ver en la imagen un reflejo de la vida humana, que el autor mostró en vano. Otros encontraron imágenes de amor, alguien descubrió el triunfo de la voluptuosidad. Sin embargo, es dudoso que el autor intentara glorificar los placeres carnales. Después de todo, las figuras de personas se representan con desprendimiento frío e inocencia. Y las autoridades de la iglesia reaccionaron favorablemente a esta imagen de Bosch.

Gustav Klimt "Tres edades de una mujer". Esta pintura se encuentra en la Galería Nacional Romana de Arte Moderno. El lienzo cuadrado de 180 cm de ancho fue pintado al óleo sobre lienzo en 1905. Esta pintura expresa alegría y tristeza al mismo tiempo. El artista en tres figuras pudo mostrar toda la vida de una mujer. El primero, todavía un niño, es extremadamente despreocupado. Una mujer madura expresa paz, y la última edad simboliza la desesperación. Al mismo tiempo, la edad media está orgánicamente entretejida en el adorno de la vida, y la antigua se destaca notablemente en su contexto. El claro contraste entre una mujer joven y una mujer mayor es simbólico. Si el florecimiento de la vida se acompaña de numerosas oportunidades y cambios, entonces la última fase es una constancia arraigada y un conflicto con la realidad. Tal imagen atrae la atención y hace pensar en la intención del artista, su profundidad. Contiene toda la vida con su inevitabilidad y metamorfosis.

Egon Schiele "La familia". Este lienzo mide 152.5x162.5 cm, pintado al óleo en 1918. Ahora se conserva en el Belvedere de Viena. El maestro de Schiele era el propio Klimt, pero el estudiante no intentó copiarlo diligentemente, buscando sus propios métodos de expresión. Podemos decir con seguridad que las obras de Schiele son aún más trágicas, aterradoras y extrañas que las de Klimt. Algunos elementos hoy se llamarían pornográficos, hay muchas perversiones diferentes aquí, el naturalismo está presente en toda su belleza. Al mismo tiempo, las pinturas están literalmente impregnadas de algún tipo de desesperación dolorosa. El pináculo de la obra de Schiele y su pintura más reciente es "La familia". En este lienzo, la desesperación se lleva al máximo, mientras que el trabajo en sí resultó ser el menos extraño para el autor. Después de que su esposa embarazada Schiele falleciera de la gripe española, y poco antes de su muerte, se creó esta obra maestra. Solo pasaron 3 días entre las dos muertes, fueron suficientes para que el artista se representara a sí mismo con su esposa y su hijo que nunca había nacido. En ese momento, Schiele tenía solo 28 años.

Frida Kahlo "Dos Frida". La imagen nació en 1939. La artista mexicana Frida Kahlo se hizo famosa después del lanzamiento de una película sobre ella con Salma Hayek en el papel principal. El trabajo de la artista se basó en sus autorretratos. Ella misma explicó este hecho de la siguiente manera: "Me escribo porque paso mucho tiempo sola y porque soy el tema que mejor conozco". Es interesante que Frida no sonría en ninguna de sus pinturas. Su cara es seria, incluso algo triste. Las cejas espesas y fusionadas y las antenas apenas perceptibles sobre los labios comprimidos expresan la máxima seriedad. Las ideas de las pinturas se encuentran en las figuras, el fondo y los detalles de lo que rodea a Frida. El simbolismo de las pinturas se basa en las tradiciones nacionales de México, estrechamente entrelazadas con la antigua mitología india. "Two Frida" es una de las mejores imágenes de la mexicana. En él, los principios masculino y femenino se muestran de manera original, teniendo un solo sistema circulatorio. Así, el artista mostró la unidad e integridad de estos dos opuestos.

Claude Monet "Puente de Waterloo. Efecto de niebla". Esta pintura de Monet se puede encontrar en la ermita de San Petersburgo. Fue pintado al óleo sobre lienzo en 1899. En un examen más detallado de la imagen, aparece como una mancha púrpura con trazos gruesos aplicados. Sin embargo, alejándose del lienzo, el espectador comprende toda su magia. Primero, los semicírculos vagos se hacen visibles, pasando en el centro de la imagen, aparecen los contornos de los barcos. Y desde una distancia de un par de metros, ya puede ver todos los elementos de la imagen, que están conectados en una cadena lógica.

Jackson Pollock "Número 5, 1948". Pollock es un clásico del género del expresionismo abstracto. Su pintura más famosa es la más cara del mundo hoy. Y el artista lo pintó en 1948, simplemente derramando pintura al óleo sobre tablero de fibra que mide 240x120 cm en el piso. En 2006, esta pintura se vendió en Sotheby's por $ 140 millones. El anterior propietario, coleccionista y productor de cine David Giffen, lo vendió al financiero mexicano David Martínez. Pollock dijo que decidió alejarse de herramientas artísticas tan familiares como el caballete, las pinturas y los pinceles. Sus herramientas eran palos, cuchillos, cucharas y pintura derramada. También usó una mezcla con arena o incluso cristales rotos. Empezando a crear. Pollock se rinde a la inspiración, sin darse cuenta de lo que está haciendo. Solo entonces llega la realización de lo perfecto. Al mismo tiempo, el artista no teme destruir la imagen o cambiarla inadvertidamente: la imagen comienza a vivir su propia vida. La tarea de Pollock es ayudarla a nacer, a salir.Pero si el maestro pierde el contacto con su creación, entonces el resultado será el caos y la suciedad. Si tiene éxito, la pintura encarnará armonía pura, facilidad de recepción e incorporación de inspiración.

Joan Miró "Un hombre y una mujer frente a un montón de excrementos". Esta pintura ahora se conserva en la colección del artista en España. Fue pintado al óleo sobre una lámina de cobre en 1935 en solo una semana del 15 al 22 de octubre. El tamaño de la creación es de solo 23x32 cm. A pesar de un título tan provocativo, la imagen habla de los horrores de las guerras civiles. El propio autor, por lo tanto, describió los acontecimientos de aquellos años que tuvieron lugar en España. Miro trató de mostrar un período de preocupación. En la imagen, puedes ver al hombre y a la mujer inmóviles, que, sin embargo, se sienten atraídos el uno por el otro. El lienzo está saturado de ominosas flores venenosas, junto con genitales agrandados, se ve deliberadamente asqueroso y asquerosamente sexy.

Jacek Jerka "Erosión". En las obras de este neo-surrealista polaco, las imágenes de la realidad, entrelazadas, dan lugar a una nueva realidad. De alguna manera, incluso las imágenes conmovedoras son extremadamente detalladas. Sienten los ecos de los surrealistas del pasado, desde Bosch hasta Dali. Yerka creció en una atmósfera de arquitectura medieval, que sobrevivió milagrosamente al bombardeo de la Segunda Guerra Mundial. Comenzó a dibujar incluso antes de ingresar a la universidad. Intentaron cambiar su estilo por uno más moderno y menos detallado, pero el propio Yerka retuvo su individualidad. Hoy sus pinturas inusuales se exhiben no solo en Polonia, sino también en Alemania, Francia, Mónaco y los Estados Unidos. Se encuentran en varias colecciones de todo el mundo.

Bill Stoneham "Las manos le resisten". La pintura, pintada en 1972, no es una pintura clásica. Sin embargo, no hay duda de que ella es una de las creaciones más raras de artistas. La pintura representa a un niño, junto a él hay una muñeca, y numerosas palmas presionadas contra el cristal desde atrás. Este lienzo es extraño, misterioso y algo místico. Ya está cubierto de leyendas. Dicen que debido a esta imagen, alguien murió y los niños que están en ella están vivos. Ella se ve realmente espeluznante. No es sorprendente que la pintura evoque miedos y fantasías inquietantes para personas con una mentalidad enferma. Stoneham mismo aseguró que se pintó a la edad de 5 años. La puerta detrás del niño es la barrera entre la realidad y el mundo de los sueños. La muñeca, por otro lado, es una guía que puede llevar a un niño de un mundo a otro. Las manos son vidas alternativas o capacidades humanas. La pintura se hizo famosa en febrero de 2000. Fue puesto a la venta en eBay, diciendo que tiene fantasmas. Al final, Kim Smith compró Hands Resist Him por $ 1,025. Pronto, el comprador se vio literalmente inundado de cartas con historias de miedo asociadas con la pintura, y exige destruir este lienzo.


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Comentarios:

  1. Simba

    ¡Genial, me gustó! ;)

  2. Tamir

    ¿Y efectivamente?

  3. Khatib

    Quiero decir, permites el error. Ingrese lo discutiremos. Escríbeme en PM, hablaremos.

  4. Makasa

    Seguramente. Estoy de acuerdo con todo lo dicho anteriormente. Podemos hablar de este tema. Aquí, o en la tarde.

  5. Suhail

    Pido disculpas, pero creo que estás equivocado. Ingrese, discutiremos. Escríbeme en PM.

  6. Maccoll

    Perdón por Offtopic, ¿puedes decirme dónde puede obtener la misma plantilla de bonita para un blog?

  7. Jukree

    Tienes elecciones difíciles



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